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股票杠杆倍数纪念极简主义大师埃斯沃兹·凯利

发布日期：2024-12-31 14:58 点击次数：167

股票杠杆倍数纪念极简主义大师埃斯沃兹·凯利

Ellsworth Kelly，《白色曲线 II》

（White Curves），1978年，涂漆铝

120 × 86 × 10 1/4英寸（304.8 × 218.4 × 26厘米）

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

Ron Amstutz，由Ellsworth Kelly Studio提供

©Ellsworth Kelly Foundation

纽约的公交车，如同钢铁巨兽般，在城市脉络中轰鸣穿梭，车厢摇晃间，金属摩擦声尖锐刺耳，仿佛这座不夜城的躁动灵魂，被浓缩在这一方喧嚣的空间里。

而刚刚从巴黎归来的美国艺术家埃斯沃兹·凯利（Ellsworth Kelly，1923 - 2015）却在这看似纷扰的日常中，捕捉到转瞬即逝的美。他凝视着书页上，光影交织而成的抽象图案。

多年后，那些曾稍纵即逝掠过他眼眸的纽约光影，幻化成隽永的艺术，以极简而宁静的姿态，绽放在多哈M7的展厅中。

《Ellsworth Kelly at 100》此次回顾展是凯利诞辰一百周年的庆祝活动。虽然他于2015年去世，享年92岁，但他的精神却通过充满活力的画布和简洁的雕塑得以延续，这些作品遍布整个M7。

该展览由马里兰州的格伦斯通（Glenstone）美术馆发起，试图讲述凯利发展的完整和全面的故事，从他们丰富的藏品中汲取灵感，并与机构和私人收藏家合作，举办三十多年来凯利作品的最大规模的展览。BAZAAR ART时尚芭莎艺术特邀记者Peifen Sung受邀前往卡塔尔的多哈，了解凯利是如何在日常中与周围的世界产生如此深刻的互动。

Spectrum IX，2014年，画布丙烯画，十二块拼接面板

卡塔尔博物馆M7举办的Ellsworth Kelly 100周年展览现场

©Ellsworth Kelly基金会，照片：Kuzey Kaya Buzlu

为了向这位在巴黎找到自己声音的艺术家致敬，展览在凯利诞辰100周年前几周从格伦斯通美术馆开始，随后来到巴黎的路易威登基金会（Fondation Louis Vuitton），现在又来到了多哈的M7，向中东的新观众介绍凯利独特的视野。

凯利的作品在 M7 展出，可谓相得益彰。M7 作为多哈市中心一座引人注目的创意地标，是卡塔尔博物馆的重要项目之一，隶属于卡塔尔创意（Qatar Creates）计划。

卡塔尔博物馆M7举办的Ellsworth Kelly 100周年展览现场

©Ellsworth Kelly基金会，照片：Kuzey Kaya Buzlu

这项宏大的计划旨在促进全国范围内的文化活动，而M7正是其中重要的组成部分。

它为时尚、设计和技术领域的新兴人才提供了一个充满活力的平台，通过驻留项目、展览和导师计划，激发创意，促进创新，并将本地人才与全球杰出人才网络连接起来。M7 致力于培养创造力和设计能力，它所倡导的突破界限、拥抱新观点的理念，与凯利超越绘画和雕塑范畴的艺术视野不谋而合，二者产生了深刻的共鸣。在他的整个职业生涯中，他一直与设计界保持着密切联系，与建筑师、家具制造商甚至时装设计师合作，共同探索艺术与设计的边界。

其中，最能体现凯利合作精神的，或许是他与 Calvin Klein 时任创意总监 Francisco Costa 在2013年的合作。他们共同重塑了凯利于1952年最初构思的一件礼服，这件设计以其大胆的色块拼接引人注目，其诞生甚至比伊夫·圣罗兰标志性的蒙德里安礼服早了十多年。

这段跨界合作，不仅体现了凯利在艺术领域的影响力，更彰显了他将极简主义美学转化为既实用又永恒形式的能力。他的艺术，不再局限于博物馆和画廊，而是融入生活，赋予日常之物以独特的艺术魅力。

卡塔尔博物馆M7举办的Ellsworth Kelly 100周年展览现场

©Ellsworth Kelly基金会，照片：Kuzey Kaya Buzlu

在这里，凯利的作品，不仅能吸引众多艺术爱好者，也能引发设计师们的共鸣，激发他们的创作灵感。M7 还将举办一系列与展览相关的设计研讨会，为不同领域的创作者提供交流学习的平台，进一步拓宽凯利艺术的影响力，让更多人领略到他作品中蕴含的独特魅力和创新精神。M7 的存在，预示着卡塔尔设计将在世界舞台上占据一席之地，而凯利作品的到来，无疑与这个充满活力的平台交相呼应。

每个月官方都会公布各类经济数据，不少专家都会根据这些数据提出政策建议。例如，当GDP增速持续下行的时候，不少人就提出通过扩大内需来实现稳增长，这从逻辑上看似乎没有问题，但为何一定要稳增长呢？大部分人都会回答，稳增长才能稳就业，发展是硬道理。

Ellsworth Kelly摄影作品，卡塔尔博物馆M7举办的Ellsworth Kelly 100周年展览现场

©Ellsworth Kelly基金会，照片：Kuzey Kaya Buzlu

除此之外，正如展览策展人、格伦斯通美术馆藏品高级总监诺拉·塞弗森·卡弗里茨（Nora Severson Cafritz）敏锐地观察，凯利的极简主义美学与伊斯兰艺术的丰富传统之间存在着惊人的和谐。

两者都从自然界中汲取灵感，将其精华提炼为优雅的形式。凯利的作品风格简约，而卡弗里茨则从中看到了与多哈伊斯兰建筑中复杂蔓藤花纹的惊人相似之处。这种意想不到的共鸣为展览增添了另一层意义，吸引观众探索看似截然不同的艺术传统之间的交集。

卡塔尔博物馆M7举办的Ellsworth Kelly 100周年展览现场

©Ellsworth Kelly基金会，照片：Kuzey Kaya Buzlu

卡弗里茨强调：“凯利是美国抽象艺术的先驱。” 她解释说，与同时代的波洛克和德库宁不同，这些人倾向于用一种更富表现力的方式，而凯利则另辟蹊径，他的作品风格内敛，刻意简化。

在这些作品中，你不会看到艺术家的笔触，他追求纯粹的形式，彻底剥离个人色彩，这在当时是非常具有革命性的。

卡塔尔博物馆M7举办的Ellsworth Kelly 100周年展览现场

©Ellsworth Kelly基金会，照片：Kuzey Kaya Buzlu

策展人眼中闪烁着调皮的光芒，嘴角挂着浅浅的微笑说：“这个展览很适合那些认为‘我的孩子也能做到’的当代艺术爱好者。”她补充道：“我强烈建议你们带孩子来。让他们体验凯利的世界，线条、形状和色彩在这里占据着至高无上的地位。也许他们会发现，有时少即是多。”

Ellsworth Kelly教育活动的照片

展览一开始聚焦于凯利早年的生活。

他于1923年出生在纽约州的纽堡，童年时期就展现出对艺术的浓厚兴趣。八九岁时，他的祖母引领他走进鸟类学的世界，观察各种鸟类的形态和色彩，这为他日后对形式和色彩的敏锐感知奠定了基础。甚至有人推测，凯利标志性的双色和三色绘画，正是源于他对鸟类羽毛颜色的观察。

在学校里，他参加了各种艺术课程，并对自然世界产生了浓厚的兴趣，这为他日后的植物绘画系列奠定了基础。然而，他并非从小就是社交达人，儿时的口吃和内向性格，使他更喜欢独处，也让他对周围的环境更加敏感。这种对细节的关注，日后也体现在他的艺术创作中。

Ellsworth Kelly，《火车风景》

（Train Landscape），1953年

布面油画，三幅拼接画板

44 × 44英寸 (111.8 × 111.8厘米)

芝加哥艺术学院长期借阅，

Ellsworth Kelly Studio和Jack Shear收藏

©Ellsworth Kelly Foundation

Ellsworth Kelly，《蓝黄红 III》

（Blue Yellow Red III），1971年

布面油画，三幅拼接画板

72 ✕ 74英寸 (182.9 ✕ 188厘米)

收藏者：Jack Shear，Ron Amstutz

由Ellsworth Kelly Studio提供

©Ellsworth Kelly Foundation

凯利就读于公立学校，那里的艺术课程强调材料和“艺术想象力”的培养，尽管他的父母不太支持他接受艺术训练，但他的老师多萝西·兰格·奥普苏特（Dorothy Lange Opsut）鼓励他继续深造。由于父母只愿意支付技术培训的费用，凯利先在布鲁克林的普拉特学院学习，从1941年一直读到1943年元旦应征入伍。

战争时期，他加入了美国陆军第603伪装工程队（603rd Engineer Camouflage，又名幽灵军团 The Ghost Army）。凯利的主要工作是设计迷彩，他需要巧妙地运用色彩和形状，创造出迷惑敌人的伪装，使军事装备和人员难以被发现。

这段特殊的经历，使他对形式和色彩的感知更加敏锐，也为他日后的艺术创作埋下了重要的种子。

Ellsworth Kelly，《吉伦德》

（Gironde），1951年

油彩和利宝林涂料画于硬纸板上

45 5/8 × 45 5/8英寸（115.9 × 115.9厘米）

Frank Appio，由Ellsworth Kelly Studio提供

©Ellsworth Kelly Foundation

Ellsworth Kelly，《圣纳瑞》

（Sanary），1952年，木板油画

51 1/2 × 60英寸（130.8 × 152.4厘米）

达拉斯艺术博物馆，

Robert和MargueriteHoffman

为纪念Dr. John R. Lane而赠，2006年

©Ellsworth Kelly Foundation

1948年，凯利的人生轨迹迎来关键的转折点。

早在战争时期，他就对欧洲的艺术心生向往。得益于《退伍军人法案》的颁布，他有机会前往梦寐以求的艺术之都——巴黎。在这座“光之城”里，凯利建立了自己的美学观。

他遇到了美国同胞 John Cage 和 Merce Cunningham，他们分别在音乐和舞蹈方面进行着大胆的实验；法国超现实主义艺术家Jean Arp以及抽象雕塑家 Constantin Brâncuși 将自然形态简化提炼的雕塑手法，对凯利的创作产生了持久的影响。此外，凯利还拜访了 Alberto Magnelli、Francis Picabia、Alberto Giacometti 和 Georges Vantongerloo 等艺术家，从他们的工作室和创作理念中汲取灵感。

然而，尽管凯利在国外待了六年之久，他的法语依然很差，而且只卖出了一幅画。1953年，他被房东逐出工作室。翌年，他返回美国，落脚于充满活力的纽约，这座城市的跃动节奏，以及与欧洲截然不同的艺术氛围，都将进一步塑造他的艺术发展。

走进展览的第二间展厅，目光随即被一幅黑白巨作所吸引——那是来自惠特尼美术馆的借展作品《大西洋》（Atlantic），创作于1956年。

这幅作品的灵感，正是源自文章开头提到的，凯利在搭乘巴士时，偶然观察到投射在书本上的光影。他将那些稍纵即逝的形态，转化为对光线和感知的深刻沉思。作品的双联画结构，巧妙地呼应了打开的书页，而黑白反转的构图，更赋予了阴影闪烁的形态，使其超越了单纯的再现，蜕变为充满哲思的艺术表达。

Ellsworth Kelly，《大西洋》

（Atlantic），1956年

布面油画，两块拼接面板

80 × 114英寸（203.2 × 289.6厘米）

纽约惠特尼美国艺术博物馆，1957年购买

©Ellsworth Kelly Foundation

值得一提的是，这幅作品诞生于凯利回到纽约后的创作初期。20世纪50年代的纽约，正是抽象表现主义的天下，波洛克、德库宁等人的风格强劲而有力，充满着动感和情绪。然而，凯利却选择了一条截然不同的道路，他追求的是简约和纯粹，力图将情感剥离，展现形式本身的美感。

在当时的纽约艺坛，他的作品显得格外独特，也因此遭受了不少质疑和不解。但他始终坚持自己的艺术理念，不断探索和创新，最终赢得了认可和赞誉。

另一件关键作品是《为白墙而作的画》（Painting for a White Wall，1952），这幅由五个相连的面板构成的作品，以其鲜艳的色调和独特的结构引人注目。

策展人提醒，凯利不仅打破常规，将一幅画呈现为一系列相互连接的画板，而且敢于决定作品自身的展示环境。试想一下，一位艺术家对展出空间的要求，在当时是多么革命性的行为，是对传统观念的颠覆，将永远改变艺术的面貌。

Ellsworth Kelly，《为白墙而作的画》

（Painting for a White Wall），1952年

布面油画，五块拼接面板

23 5/8 × 71 1/4英寸 (60 × 181厘米)

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

接下来，我们看到另一件突破性作品《三联画》（Painting in Three Panels，1956）。策展人表示：“这件作品标志着一个重要转变。”凯利之前曾尝试过将画布拼接在一起，但这是第一次在创作中刻意留出空白。她强调：“留出的白色空间至关重要。它本身就是作品的一部分。”凯利一直关注艺术与其环境之间的相互作用，她认识到观众体验的重要性，空间结构成为作品不可或缺的一部分。

Ellsworth Kelly，《三联画》

（Painting in Three Panels，1956），1956年

布面油画，三幅

80 1/4 × 139 5/8英寸（203.8 × 354.6厘米）

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

展览接着将我们带回到 20 世纪 70 年代初，那是凯利生活和创作发生重要转变的时期。

在纽约度过了十多年后，凯利越发感受到创作空间的局限。他渴望拥有更大的工作室，以便创作更大规模的作品，尽情挥洒他的艺术灵感。于是，他告别了喧嚣的纽约市，来到宽敞宁静的斯潘塞敦（Spencertown），在一间曾经是电影院和篮球场的工作室里安顿下来。

这片全新的空间，为凯利提供了前所未有的创作自由，也为他日后的艺术发展提供了更广阔的舞台。

Ellsworth Kelly ，《门口阴影》（Doorway Shadow），

斯宾塞敦，1977年，明胶银版印刷

11 × 14英寸（27.9 × 35.6厘米）

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

正是在这里，凯利开始创作更大规模的画作，并更加专注于对色彩和形状的纯粹表达。他不再局限于传统的矩形画布，而是尝试各种不同的形状，例如椭圆形、曲线形等。他也开始更多地使用鲜艳的色彩，创造出强烈的视觉冲击力。

画廊中展出的查塔姆系列（Chatham Series）作品，正是诞生于此。它们以工作室所在的小镇命名，见证了凯利自由挥洒的灵感。这些画作笔触大胆、色彩鲜明、气势恢宏，标志着凯利艺术生涯中一个关键的时刻——他更加自信地拥抱了规模和形式，将创作的能量尽情释放。

Ellsworth Kelly，《查塔姆一：白黑》

（Chatham I：白色黑色），1971年

布面油画，两块拼接面板

96 1/4 ✕ 81英寸 (244.5 ✕ 205.7厘米)

Ellsworth Kelly遗产，Jerry L. Thompson

由艺术家提供 ©Ellsworth Kelly Foundation

在展览中，我们还发现了凯利罕为人知的摄影。

“这些作品不是摄影师的作品。”策展人解释道，“而是艺术家对周围世界不断观察的视觉记录。”凯利随身携带相机，将其作为眼睛的延伸，捕捉白雪覆盖的山坡、投射在道路上的阴影、谷仓屋顶的曲线。

Ellsworth Kelly，谷仓屋顶，塔科尼克

（Barn Roof, Taconic）

1974年，明胶银版画

11 ✕ 14英寸 (27.9 ✕ 35.6厘米)

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

Ellsworth Kelly，拱门，新桥

（Arch, Pont Neuf）

1978年，明胶银版画

11 ✕ 14英寸 (27.9 ✕ 35.6厘米)

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

虽然这些照片并非特定艺术作品的直接灵感来源，但它们让我们得以一窥他的创作过程、他对细节的敏锐观察以及他独特的观察方式。“它们就像一个秘密代码。”策展人说道，“是理解凯利视觉语言的罗塞塔石碑。”

Ellsworth Kelly，土豆谷仓，长岛

（Potato Barn, Long Island）

1968年，明胶银版画

11 ✕ 14英寸 (27.9 ✕ 35.6厘米)

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

Ellsworth Kelly，土豆谷仓，南安普敦

（Potato Barn, Southampton）

1968年，明胶银版画

11 ✕ 14英寸 (27.9 ✕ 35.6厘米)

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

Ellsworth Kelly，谷仓，南安普敦

（Barn, Southampton）

1968年，明胶银版画

11 ✕ 14英寸 (27.9 ✕ 35.6厘米)

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

©Ellsworth Kelly Foundation

在专门展出凯利的雕塑作品的展厅中，我们看到了他在三维空间方面的精湛技艺。一件来自旧金山美术馆的《白色曲线》（White Curves，1978），乍看只是挂在墙上的简单画作。但仔细观察会发现，作品发生了微妙而深刻的转变。

策展人解释说，凯利在这里玩弄体积，将作品带入我们的空间，模糊了绘画和雕塑之间的界限。受简单的折叠行为（折叠一张纸或一件衣服）启发，他在画布上营造出一种深度和立体感，将其转化为雕塑浮雕。

这一创新奠定了他整个雕塑实践的基础，也证明了其无穷无尽的好奇心以及在最意想不到的地方寻找灵感的能力。

Ellsworth Kelly，《白色曲线 II》

（White Curves），1978年，涂漆铝

120 × 86 × 10 1/4英寸（304.8 × 218.4 × 26厘米）

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

Ron Amstutz，由Ellsworth Kelly Studio提供

展览末端我们看到了《光谱九》（ Spectrum IX，2014），这件作品似乎浓缩了凯利对色彩的终生迷恋。

“这是他在光谱系列中完成的最后几幅画作之一。”策展人告诉我们，“这是一幅关于十二种光谱颜色的精美画作。”每一幅垂直的画布都是独立的画作，组合在一起形成了一个统一的整体，散发着勃勃生机，彰显了凯利对色彩理论的精通，以及他通过纯粹的色彩关系唤起情感的能力。她微笑着补充道：“还有一个有趣的事实。这幅画重达1000多磅！——大约454公斤——这证明了它存在的实质意义，以及它在凯利作品中的重要性。”

Ellsworth Kelly，《光谱九》

（Spectrum IX），2014年

布面丙烯画，十二块拼接面板

107 3/4 ✕ 96英寸 (273.7 ✕ 243.8厘米)

收藏于美国马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

Ron Amstutz，由Ellsworth Kelly Studio提供

这幅作品也标志着凯利创作生涯的圆满。

在20世纪最后的几十年里，凯利依然保持着旺盛的创作精力，他的作品在世界各地的博物馆和画廊展出，并获得了无数奖项和荣誉，包括2000年获得的日本“高松宫殿下纪念世界文化奖”（Praemium Imperiale）和2012年由美国总统颁发的国家艺术奖章（National Medal of Arts）。

凯利继续探索着形状、色彩和空间之间的关系，创作出一系列充满活力和感染力的作品。尽管晚年饱受病痛折磨，但他从未放弃对艺术的追求，直到2015年在纽约斯潘塞敦的家中安然离世，享年92岁。

Ellsworth Kelly，《白表》

（White Form），2012年

涂漆铝，80 × 71 3/4 × 4 1/4英寸

（203.2 × 182.2 × 10.8厘米）

Ellsworth Kelly遗产，Jerry L. Thompson

由艺术家提供

Ellsworth Kelly，《绿板》

（Tableau Vert），1952年

木版油画（木版石墨）

29 1/4 × 39 1/4英寸（74.3 × 99.7厘米）

芝加哥艺术学院，艺术家捐赠，2009年

在最后一个展厅，我们看到了《黄色曲线》（Yellow Curve，1990），这是一幅突破性的作品，挑战了我们对绘画的定义。策展人解释道：“这幅画是凯利首次尝试概念艺术。”

一切始于一位德国策展人的电话，邀请凯利在法兰克福一个名为Portikus的小型当代艺术中心举办展览。凯利没有简单地提出在墙上挂画的传统布置方案，而是设想了一个更为激进的作品：一个大型的黄色三角形弯曲地直接画在地板上，与房间的两个角落相接，似乎要爬上墙壁。这件特定场域装置作品对色彩和灯光有着精确的指示，体现了凯利勇于突破界限、拥抱新想法的意愿。

策展人补充道：“它也非常脆弱，因为这件作品是在现场制作的，每次展览结束后就会被销毁。它只存在于当下，是凯利愿景的短暂表达。”

Ellsworth Kelly，《黄曲线》

（Yellow Curve），1990年

木板上丙烯画

收藏于马里兰州波托马克的格伦斯通博物馆

M7展厅不仅仅是庆祝了凯利的百年诞辰，在二楼的展厅，还有法国奢华珠宝「尚美与自然」（Chaumet & Nature），深入探讨了尚美世家的悠久历史及其对自然世界的持久魅力。

「尚美与自然：自1780年以自然为灵感的珠宝展」在卡塔尔博物馆M7展出

©卡塔尔博物馆M7

尚美世家由玛丽·艾蒂安·尼铎（Marie-Étienne Nitot）于1780年创立，与法国历史渊源颇深，甚至曾担任拿破仑和约瑟芬的珠宝设计。

展览通过精美的珠宝、绘画和档案材料，追溯了尚美数百年来的动植物探索历程，从美好年代（Belle Époque）的娇嫩花朵到如今充满活力的创作。我们看到了灵感来自麦穗的璀璨头饰、捕捉蝴蝶短暂之美的胸针，以及让人联想到隐秘石窟中瀑布的项链。

「尚美与自然：自1780年以自然为灵感的珠宝展」在卡塔尔博物馆M7展出

©卡塔尔博物馆M7

展览中有一件与卡塔尔有着独特渊源的非凡作品，为尚美在多哈的展出增添了另一层意义：这是一幅由摩洛哥国王哈桑二世（His Majesty King Hassan II of Morocco）委托制作并赠送给谢赫·哈利法·本·哈马德·阿勒萨尼殿下（His Highness Sheikh Khalifa bin Hamad Al Thani）的精心制作的卡塔尔地图。